Cleopatra and the snake!

Cleopatra (1874 ca.) Alfonso Balzico – National Gallery of Modern Art in Rome

The statue of Cleopatra was created by Alfonso Balzico, an Italian sculptor and painter, around 1874. It is currently on display at the National Gallery of Modern Art in Rome. The marble artwork represents the famous Egyptian queen, known for her beauty and charm.

The statue depicts Cleopatra sitting on a throne. She is dressed in a richly decorated gown and has a serene and regal expression. Cleopatra’s face has been sculpted with great precision and realism.

Balzico’s work represents a reworking of the myth of Cleopatra. The statue conveys a sense of nobility and grandeur, as well as seduction and mystery, attributes that have been associated with Cleopatra throughout the centuries.

It is a significant example of 19th-century sculpture that represents a synthesis of classical and romantic elements. The artwork continues to be appreciated for its beauty and its ability to evoke the image of one of the most famous women in history.

La statua di Cleopatra è stata realizzata da Alfonso Balzico uno scultore e pittore italiano intorno al 1874, si trova attualmente esposta alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Si tratta di un’opera in marmo che rappresenta la celebre regina egizia, nota per la sua bellezza e il suo fascino.

La statua raffigura Cleopatra seduta su di un trono. La regina è vestita con un abito riccamente decorato e ha un’espressione serena e regale. Il volto di Cleopatra, che è stato scolpito con grande precisione e realismo.

L’opera di Balzico rappresenta una rielaborazione del mito di Cleopatra. La statua trasmette un senso di nobiltà e grandezza, ma anche di seduzione e mistero, attributi che sono stati associati alla figura di Cleopatra nel corso dei secoli.

È un esempio significativo di scultura del XIX secolo, che rappresenta una sintesi di elementi classici e romantici. L’opera continua a essere apprezzata per la sua bellezza e per la sua capacità di evocare la figura di una delle donne più famose della storia.

A new fountain in the square

A new fountain in the square of the MAXXI Museum – Pascale Marthine Tayou, Brainforest.

Pascale Marthine Tayou is a Cameroonian artist who works with various media including installations, sculptures, videos, and performances. Tayou is known for his works that explore themes such as cultural identity, globalization, migration, and the environment.

“Brainforest” is a work by Tayou that consists of a large installation environment made up of artificial trees of varying sizes and materials, including recycled materials such as plastic bottles and cans. The installation was first presented at the Venice Biennale in 2005.

The title “Brainforest” refers to the metaphor of the tree as a symbol of the human brain and knowledge. The work was conceived as an environment that represents a kind of mental forest, where the trees represent the diversity and complexity of ideas and cultures in the contemporary world.

The work invites the public to walk inside the environment, to interact with the trees, and to reflect on the complexities of contemporary society. Tayou has stated that the work was conceived as a way to create a place for meditation on the complexity of the world we live in and to promote respect for the environment and diverse cultures.

“Brainforest” has been exhibited in various venues around the world, including the Museum of Contemporary Art in Tokyo and the Palais de Tokyo in Paris, and has become one of Tayou’s most well-known works.

Pascale Marthine Tayou è un artista camerunese che lavora con diversi media, tra cui installazioni, sculture, video e performance. Tayou è noto per le sue opere che esplorano temi come l’identità culturale, la globalizzazione, la migrazione e l’ambiente.

“Brainforest” è un’opera di Tayou che consiste in un grande ambiente di installazione composto da alberi artificiali di varie dimensioni e materiali, inclusi materiali riciclati come bottiglie di plastica e lattine. L’installazione è stata presentata per la prima volta alla Biennale di Venezia nel 2005.

Il titolo “Brainforest” fa riferimento alla metafora dell’albero come simbolo del cervello umano e della conoscenza. L’opera è stata concepita come un ambiente che rappresenta una sorta di foresta mentale, dove gli alberi rappresentano la diversità e la complessità delle idee e delle culture del mondo contemporaneo.

L’opera invita il pubblico a camminare all’interno dell’ambiente, a interagire con gli alberi e a riflettere sulle complessità della società contemporanea. Tayou ha dichiarato che l’opera è stata concepita come un modo per creare un luogo di meditazione sulla complessità del mondo in cui viviamo e per promuovere il rispetto dell’ambiente e delle culture diverse.

“Brainforest” è stata esposta in diverse sedi in tutto il mondo, tra cui il Museum of Contemporary Art di Tokyo e il Palais de Tokyo di Parigi, ed è diventata una delle opere più note di Tayou.

The High Brembana Valley

Here is a black and white photograph of a vast valley surrounded by imposing mountains. The peaks of the mountains stand majestically and almost seem to touch the sky, with their summits poking through the clouds.
The light in the photo is intense, creating strong contrasts between the shadows and the illuminated areas. There are many textures to admire in the photo, from the rugged rocks of the mountains to the foliage of the trees growing on the slopes.
One is enveloped by a feeling of calm and tranquility, almost as if time has stood still in that place isolated from the frenzies of modern life. The wild and unspoiled nature of the mountains seems to welcome anyone who approaches, offering a space for reflection and rejuvenation.

Ecco una fotografia in bianco e nero di una vasta valle circondata da montagne imponenti.
Le cime delle montagne si ergono in modo maestoso e sembrano quasi toccare il cielo, con le loro vette che spuntano tra le nuvole.
La luce della foto è intensa, creando forti contrasti tra le ombre e le zone illuminate.
Ci sono molte texture, dalle rocce scoscese delle montagne alle fronde degli alberi che crescono sui pendii.
Si è invasi da una sensazione di calma e di tranquillità, quasi come se il tempo si fosse fermato in quel luogo isolato dalle frenesie della vita moderna.
La natura selvaggia e incontaminata delle montagne sembra accogliere chiunque vi si avvicini, offrendo uno spazio per riflettere e rigenerarsi.

Il mitico bar Jamaica

Bar Jamaica, Brera zone, Milan, Italy

The bar Jamaica has a long history dating back to the 1950s, when it was a gathering place for artists and intellectuals in the Brera neighborhood. The establishment has always had a strong connection to art and culture and has hosted many painters and photographers over the years.
One of the most famous painters who frequented the bar Jamaica was Emilio Vedova, one of the leading exponents of Italian informal art. Vedova used to meet with other artists in the bar, where they discussed art and the Milanese cultural scene.
The photographer Gabriele Basilico was another regular at the bar Jamaica. Basilico was known for his black and white shots of the city of Milan, and the bar Giamaica was often an inspiration for his photographs. Basilico also created a photographic project on via Brera, in which he immortalized the architectural details and people who frequented the bar.
Other artists and intellectuals who have frequented the bar Jamaica over the years include the poet Eugenio Montale, the painter Enrico Baj, the photographer Mario Dondero, and the writer Alberto Arbasino.
The connection between the bar Jamaica and art and culture continues to this day. The establishment regularly hosts art exhibitions and cultural events and remains a reference point for artists and intellectuals in the Brera neighborhood and in Milan.

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Il bar Jamaica ha una lunga storia che risale agli anni ’50, quando era un punto di ritrovo per artisti e intellettuali del quartiere Brera. Il locale ha sempre avuto un forte legame con l’arte e la cultura, e ha ospitato molti pittori e fotografi nel corso degli anni.
Uno dei pittori più famosi che frequentava il bar Jamaica era Emilio Vedova, uno dei maggiori esponenti dell’arte informale italiana. Vedova era solito incontrarsi con altri artisti nel bar, dove discutevano di arte e della scena culturale milanese.
Il fotografo Gabriele Basilico era un altro frequentatore del bar Jamaica. Basilico era noto per i suoi scatti in bianco e nero della città di Milano, e il bar Jamaica era spesso un’ispirazione per le sue fotografie. Basilico ha anche realizzato un progetto fotografico sulla via Brera, in cui ha immortalato i dettagli architettonici e le persone che frequentavano il bar.
Altri artisti e intellettuali che hanno frequentato il bar Jamaica nel corso degli anni includono il poeta Eugenio Montale, il pittore Enrico Baj, il fotografo Mario Dondero e lo scrittore Alberto Arbasino.
Il legame tra il bar Jamaica e l’arte e la cultura continua ancora oggi. Il locale ospita regolarmente mostre d’arte e eventi culturali, e continua ad essere un punto di riferimento per gli artisti e gli intellettuali del quartiere Brera e di Milano.

I love Music

I love Music – Seeburg Juxebox

A jukebox is an automatic machine for playing music that allowed users to select and listen to songs by pressing buttons. The name comes from the term “juke joint,” which was a type of establishment frequented primarily by the African American community in the southern United States, where people would listen to music and dance.
The invention of the jukebox dates back to the 1920s when vinyl record technology allowed for the production of records in large quantities at affordable prices. The first commercial jukebox was created in 1927 by the American company Automatic Musical Instruments (AMI) and was called the “Modelo X.” Initially, jukeboxes were only found in public places such as bars and dance halls, but in the 1930s and 1940s, they began to be installed in public places such as train stations and airports.
During the 1950s and 1960s, the jukebox became an icon of American popular culture, thanks in part to the spread of rock and roll. Many songs were written specifically with the intention of being played on jukeboxes, and the establishments that hosted them became gathering places for young people and music enthusiasts.
In the 1970s and 1980s, with the advent of digital music and mp3 players, the jukebox lost some of its charm and popularity. However, even today, jukeboxes can still be found in some establishments, especially those that seek to preserve a vintage and nostalgic atmosphere.

Un jukebox è una macchina automatica per la riproduzione di musica, che permetteva agli utenti di selezionare e ascoltare brani musicali premendo dei pulsanti. Il nome deriva dalla parola “juke joint”, che era un tipo di locale frequentato principalmente dalla comunità afroamericana del sud degli Stati Uniti, dove si ascoltava musica e si ballava.
L’invenzione del jukebox risale agli anni ’20 del XX secolo, quando la tecnologia dei dischi in vinile permise la produzione di dischi in grande quantità a prezzi accessibili. Il primo jukebox commerciale fu creato nel 1927 dall’azienda statunitense Automatic Musical Instruments (AMI) e fu chiamato “Modelo X”. Inizialmente i jukebox erano presenti solo nei locali pubblici, come bar e sale da ballo, ma negli anni ’30 e ’40 cominciarono ad essere installati anche in luoghi pubblici come stazioni ferroviarie e aeroporti.
Durante gli anni ’50 e ’60, il jukebox divenne un’icona della cultura popolare americana, grazie anche alla diffusione del rock and roll. Molte canzoni furono scritte proprio pensando alla possibilità di essere riprodotte nei jukebox, e i locali che li ospitavano diventarono luoghi di ritrovo per giovani e appassionati di musica.
Negli anni ’70 e ’80, con l’avvento della musica digitale e dei lettori mp3, il jukebox perse un po’ del suo fascino e della sua popolarità. Tuttavia, ancora oggi si possono trovare jukebox in alcuni locali, soprattutto in quelli che cercano di preservare un’atmosfera vintage e nostalgica.

Peel slowly and see…

Peel slowly and see… – A tribute to Velvet Underground & Andy Warhol

Wikipedia – Youtube

In the 1960s, American artist Andy Warhol became famous for his artistic production based on the mass reproduction of common objects, such as Campbell’s soup cans or Coca Cola bottles. Warhol was also a music enthusiast and often frequented New York’s nightclubs where the Velvet Underground, an alternative rock band, performed.
In 1967, Warhol became the producer of the Velvet Underground’s first album, titled “The Velvet Underground & Nico.” Warhol proposed adding an image of a banana to the album’s cover and asked fashion designer and artist Gerard Malanga to draw it. Malanga’s banana was a stylized image with a peelable adhesive film that revealed a pink banana underneath.
The banana on the album cover became an iconic image of pop culture, and its meaning has often been interpreted differently. Some saw the banana as a sexual reference, while others interpreted it as a symbol of power and popularity. Warhol himself had said that the banana represented the concept of “peel slowly and see,” an invitation to discover the album’s contents.
In any case, Warhol’s banana became a symbol of the 1960s pop culture, and the Velvet Underground’s album cover became one of the most famous examples of graphic design in music history. Warhol’s banana has become a collector’s item, with many copies of the album still in circulation and having great value for collectors.

Negli anni ’60, l’artista americano Andy Warhol divenne famoso per la sua produzione artistica basata sulla riproduzione in serie di oggetti comuni, come le lattine di zuppa Campbell o le bottiglie di Coca Cola. Warhol era anche un appassionato di musica e frequentava spesso i locali notturni di New York, dove si esibivano i Velvet Underground, una band di rock alternativo.
Nel 1967, Warhol divenne il produttore del primo album dei Velvet Underground, intitolato “The Velvet Underground & Nico”. Warhol propose di aggiungere un’immagine di una banana alla copertina dell’album, e chiese al designer di moda e artista Gerard Malanga di disegnarla. La banana di Malanga era un’immagine stilizzata, con una pellicola adesiva che poteva essere rimossa per rivelare una banana rosa sotto.
La banana sulla copertina dell’album divenne un’immagine iconica della cultura pop, e il suo significato è stato spesso interpretato in modo diverso. Alcuni vedevano la banana come un riferimento sessuale, mentre altri la interpretavano come un simbolo di potere e di popolarità. Warhol stesso aveva detto che la banana rappresentava il concetto di “peel slowly and see” (sbuccia lentamente e guarda), un invito a scoprire il contenuto dell’album.
In ogni caso, la banana di Warhol divenne un’immagine simbolo della cultura pop degli anni ’60, e la copertina dell’album dei Velvet Underground diventò uno dei più famosi esempi di design grafico nella storia della musica. La banana di Warhol è diventata un oggetto di collezionismo, con molte copie dell’album ancora oggi in circolazione e con un grande valore per i collezionisti.

The watchmaker’s shop

The watchmaker’s shop, Museo Nazionale Scienza e Tecnologia “Leonardo da Vinci” in Milan, Italy

The old watchmakers’ shops were places where artisans worked by hand on every watch, repairing or building parts from scratch. These shops were often small and intimate, with watchmakers seated at their workbench with magnifying glasses, working with precision on every component of the watch.
In the past, watchmakers were highly respected professionals, as their skill required a high level of technical knowledge and great attention to detail. Watchmakers were also capable of creating customized watches for their clients, which often featured unique and rare details.
Watchmakers’ shops were often located on small side streets or in small villages, where people could bring their watches to be repaired or maintained. These shops were usually family-run and passed down from generation to generation, with sons learning the watchmaking craft from their fathers.
Today, with the mass production of watches and their availability in every department store or jewelry shop, watchmakers’ shops have become increasingly rare. However, there are still some artisan watchmakers operating in major cities, who continue to keep the traditions of watchmaking alive, working on rare pieces and creating customized watches for their clients.

Le vecchie botteghe degli orologiai erano luoghi in cui gli artigiani lavoravano a mano su ogni orologio, riparando o costruendo parti da zero. Queste botteghe erano spesso piccole e intimiste, con gli orologiai seduti al banco di lavoro con gli occhiali ingranditori, lavorando con precisione su ogni componente dell’orologio.
In passato, gli orologiai erano considerati professionisti molto rispettati, in quanto la loro abilità richiedeva un elevato livello di conoscenza tecnica e una grande attenzione ai dettagli. Gli orologiai erano anche capaci di creare orologi personalizzati per i loro clienti, che spesso erano personalizzati con dettagli unici e rari.
Le botteghe degli orologiai erano spesso situate in piccole strade laterali o in piccoli villaggi, dove le persone potevano portare i loro orologi per essere riparati o mantenuti. Questi negozi erano solitamente a conduzione familiare e passavano di generazione in generazione, con i figli che apprendevano l’arte dell’orologiaio dal padre.
Oggi, con la produzione di massa degli orologi e la loro disponibilità in ogni grande magazzino o negozio di gioielli, le botteghe degli orologiai sono diventate sempre più rare. Tuttavia, ci sono ancora alcuni orologiai artigianali che operano nelle grandi città, e che continuano a mantenere vive le tradizioni dell’arte orologiera, lavorando su pezzi rari e creando orologi personalizzati per i loro clienti.

Things go better with Coke!!

Pavilion number one expo 2015, The Milan Triennial, International exhibition of art and design.

Coca-Cola is one of the most iconic and recognizable brands in the world. The beverage was created in 1886 in Atlanta, United States, by the pharmacist John Pemberton, and quickly became popular thanks to its unique taste and its image of freshness and youth.
In the following years, Coca-Cola became a symbol of American culture and global consumerism, inspiring many artists to create works of art that reflect its iconicity and importance in contemporary society.
One of the first artists to use the image of Coca-Cola in his artwork was the American pop art painter Andy Warhol. In 1962, Warhol created a series of paintings of Coca-Cola bottles, using a silkscreen printing technique to create serial reproductions of the image. These works helped make Coca-Cola a pop culture icon.
In the following years, many other artists used the image of Coca-Cola in their artwork, including Roy Lichtenstein, Mel Ramos, Claes Oldenburg, and James Rosenquist. Some used the bottle as a symbol of mass culture and consumerism, while others interpreted it as an icon of beauty and sensuality.
In addition to painting, Coca-Cola has been used in other forms of art, such as photography, sculpture, and installation. For example, the Japanese artist Takashi Murakami created a giant sculpture of a Coca-Cola bottle for the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, while the Spanish artist Manolo Valdés used the bottle as the base for a series of sculptures.
Furthermore, Coca-Cola has become a constant presence in popular culture, appearing in movies, advertisements, and songs. Its image has been used in advertising campaigns around the world, becoming a symbol of youth, happiness, and freshness.
In summary, Coca-Cola has become an icon of art and popular culture thanks to its recognizable image and its central position in the world of consumerism. Artists from all over the world have used the bottle as a symbol of contemporary society, creating works of art that reflect the importance of the beverage in our culture.

Coca-Cola è uno dei brand più iconici e riconoscibili al mondo. La bevanda è stata creata nel 1886 a Atlanta, negli Stati Uniti, dal farmacista John Pemberton, ed è diventata rapidamente popolare grazie al suo sapore unico e alla sua immagine di freschezza e gioventù.
Negli anni successivi, Coca-Cola è diventata un simbolo della cultura americana e del consumismo globale, ispirando molti artisti a creare opere d’arte che riflettono la sua iconicità e la sua importanza nella società contemporanea.
Uno dei primi artisti ad utilizzare l’immagine di Coca-Cola nelle sue opere d’arte è stato il pittore pop art americano Andy Warhol. Nel 1962, Warhol creò una serie di dipinti di bottiglie di Coca-Cola, utilizzando una tecnica di stampa serigrafica per creare riproduzioni in serie dell’immagine. Queste opere hanno contribuito a rendere Coca-Cola un’icona della cultura pop.
Negli anni successivi, molti altri artisti hanno utilizzato l’immagine di Coca-Cola nelle loro opere d’arte, tra cui Roy Lichtenstein, Mel Ramos, Claes Oldenburg e James Rosenquist. Alcuni hanno utilizzato la bottiglia come un simbolo della cultura di massa e del consumismo, mentre altri l’hanno interpretata come un’icona di bellezza e sensualità.
Oltre alla pittura, Coca-Cola è stata utilizzata anche in altre forme di arte, come la fotografia, la scultura e l’installazione. Ad esempio, l’artista giapponese Takashi Murakami ha creato una scultura gigante di una bottiglia di Coca-Cola per il Museum of Contemporary Art di Los Angeles, mentre l’artista spagnolo Manolo Valdés ha utilizzato la bottiglia come base per una serie di sculture.
Inoltre, Coca-Cola è diventata una presenza costante nella cultura popolare, apparendo in film, spot pubblicitari e canzoni. La sua immagine è stata utilizzata in campagne pubblicitarie in tutto il mondo, diventando un simbolo di gioventù, felicità e freschezza.
In sintesi, Coca-Cola è diventata un’icona dell’arte e della cultura popolare grazie alla sua immagine riconoscibile e alla sua posizione centrale nel mondo del consumismo. Gli artisti di tutto il mondo hanno utilizzato la bottiglia come simbolo della società contemporanea, creando opere d’arte che riflettono l’importanza della bevanda nella nostra cultura.

Natura psichedelica

Milano Design Week, Via Savona, Zona Tortona, Milan, Italy

Imagine crossing the boundary of time,
and being catapulted into an unknown and fantastical world,
where the boundaries between reality and fantasy
become blurred and lost.

The green of the trees blends with the yellow and magenta,
creating a kaleidoscope of colors and shapes,
which seem animated by a mysterious and vital force,
that captures and surprises us.

In this extraordinary and enchanted landscape,
nature manifests itself in unexpected and surprising forms,
and fantastic creatures mix
with plants and animals, creating a poetic and magical universe.

The beauty of this fantastical universe
lies in its unpredictability and in its ability
to surprise and enchant us,
showing what reality can become
when fantasy takes over.

And you, a fortunate witness to this extraordinary event,
have seen a moment of poetry and surreal beauty,
that will remain forever in your memory,
as an experience that touches the soul.

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Immagina di oltrepassare il confine del tempo,
e catapultarti in un mondo sconosciuto e fantastico,
dove i margini tra realtà e fantasia
si confondono e si perdono.

Il verde degli alberi si fonde con il giallo e il magenta,
creando un caleidoscopio di colori e forme,
che sembrano animati da una forza misteriosa e vitale,
che ci rapisce e ci sorprende.

In questo paesaggio straordinario e incantato,
la natura si manifesta in forme inaspettate e sorprendenti,
e creature fantastiche si mescolano
a piante e animali, creando un universo poetico e magico.

La bellezza di questo universo fantastico
risiede nella sua imprevedibilità e nella sua capacità
di sorprenderci e incantarci,
mostrando ciò che la realtà può diventare
quando la fantasia prende il sopravvento.

E tu, fortunato testimone di questo evento straordinario,
hai visto un attimo di poesia e di surreale bellezza,
che rimarrà per sempre nella tua memoria,
come un’esperienza che tocca l’anima.

The gentle hills…

The gentle hills of the antique Marquisate of Monferrato, Grazzano Badoglio, Asti, Piemonte, Italia.

Through the window, one can catch a glimpse of a landscape that seems to have come out of a fairytale: gentle green hills, dotted with small groves and cultivated fields, extend to the horizon. The sky is blue and serene. The sunlight illuminates everything with a golden glow, as if it wants to embrace and pamper everything.
The interior room is romantic and cozy, with solid wood furnishings and delicate fabrics. In front of the window, there is a small harp with silvery strings and a sinuous shape that seems to invite spending time in sweet company.
The atmosphere is calm and peaceful, as if time has decided to slow down to fully enjoy this simple yet extraordinary beauty. In this corner of paradise, one can let the heart fill with peace and serenity, as if all the problems in the world no longer exist.

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Attraverso la finestra si può scorgere un paesaggio che sembra uscito da una favola: dolci colline verdi, punteggiate da piccoli boschetti e campi coltivati, si estendono all’orizzonte. Il cielo è azzurro e sereno. La luce del sole illumina tutto con un bagliore dorato, come se volesse abbracciare e coccolare ogni cosa.
La stanza interna è romantica e accogliente, con arredi in legno massiccio e tessuti delicati. Davanti alla finestra una piccola arpa, dalle corde argentee e dalla forma sinuosa, che sembra invitare a trascorrere del tempo in dolce compagnia.
L’atmosfera è tranquilla e serena, come se il tempo avesse deciso di rallentare per godere appieno di questa bellezza semplice ma straordinaria. E in questo angolo di paradiso, si può lasciare che il cuore si riempia di pace e di serenità, come se tutti i problemi del mondo non esistessero più.

The torn strips!

This photograph is an intricate mix of colors and shapes. The torn strips of color blend and fade in an almost random way, but their harmonious combination generates a sense of movement and dynamism that immediately captures the viewer’s attention.
The composition of the photograph aims to convey a sense of energy and vitality, despite the absence of recognizable elements. With this image, I wanted to create an engaging visual experience and invite the observer to explore the infinite nuances of color and form hidden within it.
The psychedelic atmosphere of the photograph brings to mind the patterns and textures often associated with altered states of consciousness, creating a unique visual experience that could transport the viewer into a world of abstract beauty. In this sense, my photograph becomes an invitation to curiosity, discovery, and exploration.
The goal of my photograph is to become an invitation to immerse oneself in a world of constantly evolving colors and shapes, where the observer can discover something new and surprising with each exploration.

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Questa fotografia è un intricato mix di colori e forme. Le strisce di colore strappate si mescolano e sfumano in modo quasi casuale, ma la loro combinazione armoniosa genera una sensazione di movimento e dinamicità che cattura immediatamente l’attenzione dell’osservatore.
La composizione della fotografia cerca di trasmettere un senso di energia e vitalità, nonostante l’assenza di elementi riconoscibili. Con questa immagine volevo creare un’esperienza visiva coinvolgente e invitare l’osservatore ad esplorare le infinite sfumature di colore e forma nascoste al suo interno.
L’atmosfera psichedelica della fotografia mi richiama alla mente i pattern e le texture spesso associati a stati di coscienza alterati, creando un’esperienza visiva unica che potrebbe trasportare l’osservatore in un mondo di bellezza astratta. In questo senso, la mia fotografia diventa un invito alla curiosità, alla scoperta e all’esplorazione.
L’obiettivo della mia fotografia è quello di diventare un invito a immergersi in un mondo di colori e forme in continua evoluzione, dove l’osservatore può scoprire qualcosa di nuovo e sorprendente ad ogni esplorazione.

Almost an abstract painting

My photograph of the wall with torn posters aims to draw the attention of the audience to the beauty of impermanence.
The torn posters represent images and words that were once important, but now are destined to be replaced by new posters.
Mimmo Rotella taught us to look through these torn posters and see a new form of art. With my photograph, I would like to invite you to reflect on the transient nature of life and art, and to discover the beauty and poetry in things that are destined to fade away.
In this sense, my photograph aims to become an invitation to look at the world with different eyes and to find beauty even where it may seem not to exist.

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La mia fotografia del muro con manifesti strappati vorrebbe catturare l’attenzione del pubblico sulla bellezza dell’impermanenza.
I manifesti strappati rappresentano immagini e parole che una volta erano importanti, ma ora sono destinate a essere sostituite da nuovi manifesti.
Mimmo Rotella ci ha insegnato a guardare attraverso questi manifesti strappati e vedere una nuova forma d’arte.
Con la mia fotografia vorrebbe invitarti a riflettere sulla natura transitoria della vita e delle opere d’arte, e a cogliere la bellezza e la poesia nelle cose che sono destinate a svanire.
In questo senso, la mia fotografia vorrebbe diventare un invito a guardare il mondo con occhi diversi e a trovare la bellezza anche dove sembra non esserci.

One Hundres Eyes

Street art, Subway Via Lucini, Leoncavallo self-managed public space, Milan, Italy

The black and white street art image immediately caught my attention. The use of black and white intensifies the image’s drama and adds to its emotional impact. The street art seems to come alive on the wall, as if speaking directly to the viewer, and its powerful expressiveness prompts us to question and reflect.
Through this image, I hope to inspire others to explore the world of urban art and discover the hidden messages behind these street works, which often represent a unique artistic and social expression of contemporary culture. By looking beyond the surface, we can uncover the deep layers of meaning and symbolism in street art, and gain a greater appreciation for its role in shaping our society and culture.

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Questa immagine di street art in bianco e nero ha subito catturato la mia attenzione. L’uso del bianco e nero intensifica il dramma dell’immagine e aumenta il suo impatto emotivo. La street art sembra prendere vita sulla parete, come se parlasse direttamente allo spettatore, e la sua potente espressività ci spinge a interrogarci e riflettere.
Attraverso questa immagine, spero di ispirare gli altri a esplorare il mondo dell’arte urbana e scoprire i messaggi nascosti dietro queste opere di strada, che rappresentano spesso un’espressione artistica e sociale unica della cultura contemporanea. Guardando oltre la superficie, possiamo scoprire i profondi strati di significato e simbolismo nella street art e acquisire una maggiore comprensione del suo ruolo nel plasmare la nostra società e cultura.

five daisies…

There’s many a lonesome daisy where never a child can be,
And many a lone little brooklet is dancing away to the sea;
Yet children must stay in the city with only dull walls in view,
As if there were never a brooklet and never a daisy grew!

But what is this mysterious monolith?

An impressive glow shining through the sky
draws me in strongly like a dark sanctuary.
Strange magnetic object that I seek,
pulls me higher up to its apex.
Mysterious monolith, hide the truth;
be my guiding light and be my proof.
Tell me your secrets, give me a sign;
reveal yourself, give me a sign.

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Un’impressionante luce che brilla attraverso il cielo
mi attira fortemente come un santuario oscuro.
Uno strano oggetto magnetico che cerco,
mi solleva sempre più in alto verso la sua cima.
Misterioso monolito, nascondi la verità;
sii la mia guida luminosa e la mia prova.
Raccontami i tuoi segreti, dammi un segno;
rivelati, dammi un segno.

Milan’s parks

The city parks of Milan are one of the main attractions of the city, offering a green oasis of tranquility in the heart of the metropolis.

Parco Sempione is one of the most famous and ancient parks in Milan, located in the city center. It covers an area of about 38 hectares and is characterized by the presence of numerous species of trees, including poplars, horse chestnuts, lime trees, and plane trees. Within the park, there are also several monuments and tourist attractions, such as the famous Arch of Peace, the Sforza Castle, and the Triennale Museum.
Giardini Pubblici Montanelli, located in the center of Milan, is an urban park of about 9 hectares. The park was inaugurated in 1784 and presents a great variety of trees and plants. Within the park, there are numerous children’s play areas, jogging and walking paths, fountains, and ponds. The park also houses the Natural History Museum of Milan, which offers a vast collection of minerals, fossils, and animals.
Parco Lambro is located in the eastern part of Milan and is one of the largest parks in the city, with an area of about 700 hectares. The park is characterized by the presence of the Lambro River, which runs through the natural area. Within the park, there are numerous children’s play areas, sports fields, and cycling and pedestrian paths.
Parco Nord di Milano is one of the largest urban parks in Europe, located in the northern part of the city. It covers an area of about 600 hectares and offers many opportunities for outdoor activities such as jogging, cycling, and walking. Within the park, there are also several children’s play areas, picnic areas, soccer fields, and beach volleyball courts. The park also hosts numerous cultural and sporting events throughout the year, including concerts, theatrical performances, and festivals.
Parco delle Cave di Milano is a natural park that covers an area of about 80 hectares in the southeast of the city. The park is characterized by the presence of disused quarries, some of which date back to the Roman period, which have created a particular and suggestive landscape. Within the park, visitors can hike or bike, visit the Environmental Education Center, participate in guided tours, go birdwatching, and much more.
Parco Forlanini is located in the southeast of the city and covers an area of about 350 hectares. The park was inaugurated in 1953 in honor of the Milanese aviator Enrico Forlanini. Within the park, there are numerous children’s play areas, sports fields, cycling and pedestrian paths, and a large artificial lake. The park also hosts numerous events throughout the year, including concerts, theatrical performances, exhibitions, and fairs. Additionally, the park has recently been renovated and expanded, with the addition of new green areas and pedestrian paths.
Parco delle Basiliche: located near the Basilicas of San Lorenzo and Sant’Eustorgio, it is a small park with a children’s play area, a basketball court, and a green space.
Parco delle Rimembranze: located in the Porta Venezia area, it is a small park with a children’s play area, a fountain, and a small picnic area.
Parco della Resistenza: located near the Milan Central Station, it is a small park with a children’s play area, a soccer field, and a green area.
Carmagnola Garden: located in the San Siro neighborhood, it is a small garden with a children’s playground area, a picnic area, and a dog area.
Crusades Park: located in the Certosa area, it is a park with a children’s playground area, a soccer field, and a small green area.
Trenno Park: located in the Trenno area, it is a park with a children’s playground area, a soccer field, and a green area.
Franco Verga Park: located in the Quarto Oggiaro area, it is a small park with a children’s playground area, a skating rink, and a picnic area.
Martesana Park: located in the Cimiano area, it is a park along the Martesana with a pedestrian and bicycle path, a children’s playground area, and a green area.
Victory Park: located in the Gallaratese area, it is a park with a children’s playground area, a basketball court, and a picnic area.
South Trenno Park: located in the Trenno area, it is a small park with a children’s playground area, a soccer field, and a green area.
John Paul II Park: located in the Forlanini area, it is a park with a children’s playground area, a soccer field, and a small green area.
Oak Park: located in the Vigentino area, it is a park with a children’s playground area, a picnic area, and a dog area.
Martyrs of the Foibe Park: located in the Lambrate area, it is a park with a children’s playground area, a basketball court, and a small green area.

Each of these parks has its own characteristics and attractions, but all offer a refreshing break from the bustle of the city.

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I parchi cittadini di Milano sono una delle principali attrazioni della città, offrendo un’oasi di verde e tranquillità nel cuore della metropoli.

Il Parco Sempione è uno dei parchi più famosi e antichi di Milano, situato nel centro della città. Si estende su una superficie di circa 38 ettari ed è caratterizzato dalla presenza di numerose specie di alberi, tra cui pioppi, ippocastani, tigli e platani. All’interno del parco ci sono anche diversi monumenti e attrazioni turistiche, come il famoso Arco della Pace, il Castello Sforzesco e il Museo della Triennale.
I Giardini Pubblici Montanelli, situati nel centro di Milano, sono un parco urbano di circa 9 ettari. Il parco è stato inaugurato nel 1784 e presenta una grande varietà di alberi e piante. All’interno del parco ci sono numerose aree giochi per bambini, percorsi per jogging e passeggiate, fontane e laghetti. Il parco ospita anche il Museo di Storia Naturale di Milano, che offre una vasta collezione di minerali, fossili e animali.
Il Parco Lambro è situato nella zona est di Milano ed è uno dei parchi più grandi della città, con una superficie di circa 700 ettari. Il parco è caratterizzato dalla presenza del fiume Lambro, che attraversa l’area naturale. All’interno del parco ci sono numerose aree giochi per bambini, campi sportivi, percorsi per ciclisti e pedoni.
Il Parco Nord di Milano è uno dei più grandi parchi urbani d’Europa, situato nella zona nord della città. Si estende su una superficie di circa 600 ettari e offre molte opportunità per attività all’aperto come jogging, ciclismo e passeggiate. All’interno del parco ci sono anche diverse aree giochi per i bambini, aree picnic, campi da calcio e da beach volley. Il parco è anche sede di numerosi eventi culturali e sportivi durante tutto l’anno, tra cui concerti, spettacoli teatrali e festival.
Il Parco delle Cave di Milano è un parco naturale che si estende su una superficie di circa 80 ettari nella zona sud-est della città. Il parco è caratterizzato dalla presenza di cave dismesse, alcune delle quali risalenti al periodo romano, che hanno creato un paesaggio particolare e suggestivo. All’interno del parco si possono fare escursioni a piedi o in bicicletta, visitare il Centro di Educazione Ambientale, partecipare a visite guidate, fare birdwatching e molto altro ancora.
Il Parco Forlanini di Milano è situato nella zona sud-est della città e si estende su una superficie di circa 350 ettari. Il parco è stato inaugurato nel 1953 in onore dell’aviatore milanese Enrico Forlanini. All’interno del parco ci sono numerose aree giochi per bambini, campi sportivi, percorsi per ciclisti e pedoni, e un grande lago artificiale. Il parco è anche sede di numerosi eventi durante tutto l’anno, tra cui concerti, spettacoli teatrali, mostre e fiere. Inoltre, il parco è stato recentemente rinnovato e ampliato, con l’aggiunta di nuove aree verdi e percorsi pedonali.
Parco delle Basiliche: situato nei pressi delle Basiliche di San Lorenzo e di Sant’Eustorgio, è un piccolo parco con un’area giochi per bambini, un campo da basket e uno spazio verde.
Parco delle Rimembranze: situato nella zona di Porta Venezia, è un piccolo parco con un’area giochi per bambini, una fontana e una piccola area picnic.
Parco della Resistenza: situato nei pressi della Stazione Centrale di Milano, è un parco di piccole dimensioni con un’area giochi per bambini, un campo da calcetto e una zona verde.
Giardino Carmagnola: situato nel quartiere di San Siro, è un piccolo giardino con un’area giochi per bambini, una zona picnic e un’area per cani.
Parco delle Crociate: situato nella zona di Certosa, è un parco con un’area giochi per bambini, un campo da calcetto e una piccola area verde.
Parco di Trenno: situato nella zona di Trenno, è un parco con un’area giochi per bambini, un campo da calcetto e una zona verde.
Parco Franco Verga: situato nella zona di Quarto Oggiaro, è un piccolo parco con un’area giochi per bambini, una pista di pattinaggio e un’area picnic.
Parco Martesana: situato nella zona di Cimiano, è un parco lungo la Martesana con un percorso pedonale e ciclabile, un’area giochi per bambini e una zona verde.
Parco della Vittoria: situato nella zona di Gallaratese, è un parco con un’area giochi per bambini, un campo da basket e una zona picnic.
Parco Trenno Sud: situato nella zona di Trenno, è un piccolo parco con un’area giochi per bambini, un campo da calcetto e una zona verde.
Parco Giovanni Paolo II: situato nella zona di Forlanini, è un parco con un’area giochi per bambini, un campo da calcetto e una piccola area verde.
Parco della Quercia: situato nella zona di Vigentino, è un parco con un’area giochi per bambini, una zona picnic e un’area per cani.
Parco Martiri delle Foibe: situato nella zona di Lambrate, è un parco con un’area giochi per bambini, un campo da basket e una piccola area verde.

Ognuno di questi parchi ha le proprie caratteristiche e attrazioni, ma tutti offrono una pausa rigenerante dalla frenesia della città.

Hypothesis

Marquee, Hypothesis, Philippe Parreno, Hangar Bicocca, Milan, Italy

This image is a detail of the artwork “Hypothesis”. The artwork, created by Philippe Parreno, is a multimedia installation that explores the themes of uncertainty and unpredictability. It consists of several components, including a film and a dynamic lighting system that changes in an unpredictable manner. The film of “Ipotesi” shows images of a mosque and the city of Algiers in Algeria, combined with electronic sounds that create a hypnotic atmosphere. The images are represented in a partial and fragmented way, almost like a blurry memory, suggesting the evanescent nature of memory and cultural identity. The dynamic lighting of the “Hypothesis” artwork consists of a series of lights mounted on mobile supports that move randomly and unpredictably. This lighting system creates an immersive and unpredictable experience for the viewer, who is forced to confront the uncertainty and unpredictability of the artwork. In general, Philippe Parreno’s “Hypothesis” explores the themes of memory, cultural identity, and uncertainty through the use of blurry images, sounds, and a dynamic and unpredictable lighting system.

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Questa immagine è un particolare dell’opera “Hypothesis”.
L’opera è di Philippe Parreno è un’installazione multimediale che esplora il tema dell’incertezza e dell’imprevedibilità, è composta da diverse parti, tra cui un film e un sistema di illuminazione dinamico che cambia in modo imprevedibile.
Il film di “Hypothesis” mostra immagini di una moschea e della città di Algeri in Algeria, unite a suoni elettronici che creano un’atmosfera ipnotica. Le immagini sono rappresentate in modo parziale e frammentario, quasi come un ricordo sfocato, che suggerisce la natura evanescente della memoria e dell’identità culturale.
L’illuminazione dinamica dell’opera “Hypothesis” consiste in una serie di luci montate su supporti mobili, che si muovono in modo casuale e imprevedibile. Questo sistema di illuminazione crea un’esperienza immersiva e imprevedibile per l’osservatore, che è costretto a confrontarsi con l’incertezza e l’imprevedibilità dell’opera.
In generale, l’opera “Hypothesis” di Philippe Parreno esplora il tema della memoria, dell’identità culturale e dell’incertezza attraverso l’uso di immagini sfocate, suoni e un sistema di illuminazione dinamico e imprevedibile.

African Art!

African Art, Mudec, Permanent Collection, Milan, Italy

African art has been an important source of inspiration for European art, especially during the modern art period in the 20th century. This is because European artists, such as the Fauves, Cubists, and Expressionists, were searching for new forms of expression that could go beyond the limits of traditional art.
European artists discovered a new source of inspiration in African art, which allowed them to explore new techniques and forms of expression. For example, African art greatly influenced the Cubist movement, with artists like Pablo Picasso and Georges Braque drawing inspiration from the stylized and abstract forms of African masks to create their works.
Furthermore, African art also offered European artists a new perspective on art in general, challenging the aesthetic and conceptual conventions of Western art. African art often focuses on the function and symbolic meaning of works, rather than their aesthetics.
In this way, African art opened up new creative horizons for European artists, leading them to explore new techniques and concepts and create works that diverged from the European tradition. Therefore, African art played an important role in the evolution of European art and the creation of new forms of artistic expression.
The Mudec (Museum of Cultures of Milan) houses a permanent collection of African art that offers a complete overview of this art form.
The permanent collection of the Mudec is composed of over 1,200 pieces, covering a time span from the 5th century BC to the 20th century. The objects on display include sculptures in wood, bronze, and terracotta, masks, textiles, jewelry, and musical instruments. There are also sections dedicated to contemporary African art and art of Afro-Americans.
The museum is located in Milan, Italy, and is housed in a renovated historic building that was originally a locomotive factory. In addition to the permanent collection, the Mudec regularly hosts temporary exhibitions and cultural events related to African art and culture.
The Mudec is an important place for African art enthusiasts, but also for those interested in the culture and history of this continent. The permanent collection offers a unique opportunity to explore the diversity of African art and to learn more about its history and traditions.

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L’arte africana è stata una fonte importante di ispirazione per l’arte europea, soprattutto durante il periodo dell’arte moderna nel XX secolo. Questo perché gli artisti europei, come i fauves, i cubisti e gli espressionisti, erano alla ricerca di nuove forme di espressione che potessero andare oltre i limiti dell’arte tradizionale.
Gli artisti europei hanno scoperto nell’arte africana una nuova fonte di ispirazione che ha permesso loro di esplorare nuove tecniche e nuove forme espressive. Ad esempio, l’arte africana ha influenzato notevolmente il movimento cubista, con artisti come Pablo Picasso e Georges Braque che hanno preso spunto dalle forme stilizzate e astratte delle maschere africane per creare le loro opere.
Inoltre, l’arte africana ha anche offerto agli artisti europei una nuova prospettiva sull’arte in generale, sfidando le convenzioni estetiche e concettuali dell’arte occidentale. L’arte africana, infatti, si concentra spesso sulla funzione e sul significato simbolico delle opere, piuttosto che sulla loro estetica.
In questo modo, l’arte africana ha aperto nuovi orizzonti creativi agli artisti europei, portandoli a esplorare nuove tecniche e concetti, e a creare opere che si allontanano dalla tradizione europea. Pertanto, l’arte africana ha svolto un ruolo importante nell’evoluzione dell’arte europea e nella creazione di nuove forme di espressione artistiche.
Il Mudec (Museo delle Culture di Milano) ospita una collezione permanente di arte africana, che offre una panoramica completa di questa forma d’arte.
La collezione permanente del Mudec è composta da oltre 1.200 pezzi, che coprono un arco temporale che va dal V secolo a.C. al XX secolo. Gli oggetti esposti includono sculture in legno, bronzo e terracotta, maschere, tessuti, gioielli e strumenti musicali. Ci sono anche sezioni dedicate all’arte contemporanea africana e all’arte degli Afroamericani.
Il museo si trova a Milano, in Italia, ed è ospitato in un edificio storico ristrutturato che era originariamente una fabbrica di locomotive. Oltre alla collezione permanente, il Mudec ospita regolarmente mostre temporanee e eventi culturali legati all’arte e alla cultura africana.
Il Mudec è un luogo importante per gli appassionati di arte africana, ma anche per chi è interessato alla cultura e alla storia di questo continente. La collezione permanente offre un’opportunità unica di esplorare la diversità dell’arte africana e di conoscere meglio la sua storia e le sue tradizioni.

Giro giro tondo…

Ring-a-ring-a-rosies
A pocket full of posies
A tissue, a tissue
We all fall down
The king has sent his daughter
To fetch a pail of water
A tissue, a tissue
We all fall down
The robin on the steeple
Is singing to the people
A tissue, a tissue
We all fall down
The wedding bells are ringing
The boys and girls are singing
A tissue, a tissue
We all fall down

Lost in space

I think my spaceship knows which way to go…
Leonardo da Vinci National Science and Technology Museum, Milan, Italy

The one in the photo is the Russian space suit exhibited at the National Museum of Science and Technology Leonardo da Vinci in Milan, Italy, which belongs to the Russian Space Agency (Roscosmos). The suit was used by the Russian astronaut Yuri Usachov during the Soyuz TM-18 space mission in 1994.
The Soyuz TM-18 mission was a Russian space mission that took place between July and October 1994. Yuri Usachov participated in the mission as a flight engineer and was the first astronaut to use the Russian “Orlan” space suit during a spacewalk outside the Soyuz spacecraft. The Orlan space suit was designed to withstand the extreme conditions of space and allows astronauts to perform work safely outside the spacecraft. The suit exhibited at the National Museum of Science and Technology Leonardo da Vinci in Milan, Italy, is a historical testimony of the Russian space adventure and space technology in general.

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Quella nella foto è la tuta spaziale russa esposta al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci a Milano, Italia, appartiene all’Agenzia Spaziale Russa (Roscosmos). La tuta è stata utilizzata dall’astronauta russo Yuri Usachov durante la missione spaziale Soyuz TM-18 nel 1994.
La missione Soyuz TM-18 è stata una missione spaziale russa che si è svolta tra il luglio e l’ottobre del 1994. Yuri Usachov ha partecipato alla missione come ingegnere di volo ed è stato il primo astronauta a utilizzare la tuta spaziale russa di tipo “Orlan” durante una passeggiata spaziale al di fuori della navetta spaziale Soyuz. La tuta spaziale Orlan è stata progettata per resistere alle condizioni estreme dello spazio e consente agli astronauti di svolgere lavori fuori dalla navetta spaziale in sicurezza. L’esemplare esposto al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci a Milano, Italia, è una testimonianza storica dell’avventura spaziale russa e della tecnologia spaziale in generale.